Живопись в русской поэзии. Японская каллиграфия: живопись, философия, поэзия и путь

Поэзия – невидимая, но звучащая живопись,

а живопись – немая, но зримая поэзия.

Цель проекта: развивать себя эстетически и нравственно.

Учиться самостоятельности в учебной деятельности;

Формировать интерес к поэзии, развивать эстетический вкус;

Учиться отличать красоту подлинную от красоты внешней;

Расширять объём знаний и представлений об искусстве живописи.

Введение.

Мои «поэтические пятиминутки».

«Живопись в русской поэзии».

Исследование: Леонардо да Винчи «Джоконда» - Марк Лисянский «Улыбка Джоконды».

Поэты – экскурсоводы о картинах:

*Карл Брюллов «Всадница»;

*В. Серов «Девочка с персиками»;

*А. Венецианов «Жнецы».

6. Заключение. «Любите живопись, поэты!»

Введение.

Школа № 54, в которой я учусь, - старейшее учебное заведение города Новосибирска, школа с углублённым изучением предметов социально-гуманитарного цикла. Педагоги стараются, чтобы школьная жизнь наша была познавательной, творческой, интересной. В школе недавно прошла акция «Чтение с удовольствием!», мне особенно понравилось то, что в школьную библиотеку в этот день можно было прийти поздно вечером и почитать что-нибудь интересное при свечах… В декабре все ученики 5-9 классов приняли участие в Открытом (публичном) экзамене по русской поэзии. Мы сильно волновались, потому что всё было как на настоящем экзамене: билеты, комиссия, чтение стихов. Ещё мне очень нравятся «поэтические пятиминутки», которые мы проводим на уроках литературы, словесности. Нужно выбрать стихотворение какого-нибудь поэта, объяснить, чем оно тебе понравилось, какой след оставило в душе, какие интересные эпитеты, сравнения, метафоры использовал автор. Ребята моего класса старательно готовятся к «пятиминуткам». Это своеобразный « театр одного актёра». Любой из нас может заслужить аплодисменты одноклассников, и неважно, как ты учишься по другим предметам. В классе горят свечи, звучит музыка, создаётся праздничная атмосфера, особенно зимой, когда за окном темно и медленно падает снег.

«Поэтические пятиминутки».

Вот какую «пятиминутку» я провела в 5 классе.

« Из воспоминаний Цыбина Кузьмы Васильевича, друга детства С. Есенина: «И ещё вспоминаю, очень любил Есенин цветы. Весной до покоса наши луга – разноцветный ковёр. Каких только цветов в них нет! Для него цветы – что живые друзья были».На «пятиминутку» я принесла букет цветов. Посмотрите, какой он красивый! В нём есть васильки, левкой, колокольчики, резеда. Это редкий букет, потому что составлен из любимых цветов поэта С. Есенина. А узнала я об этом из поэмы «Цветы» и выучила наизусть отрывки из неё, которые мне особенно понравились:

… Весенний вечер. Синий час.

Ну как же не любить мне вас,

Как не любить мне вас, цветы?

Я с вами выпил бы на «ты».

Шуми левкой и резеда.

С моей душой стряслась беда.

С душой моей стряслась беда.

Шуми левкой и резеда.

…Я не люблю цветы с кустов,

Не называю их цветами.

Хоть прикасаюсь к ним устами,

Но не найду к ним нежных слов.

Я только тот люблю цветок,

Который врос корнями в землю,

Его люблю я и приемлю,

Как северный наш василёк.

Эти стихи помогли мне понять душу поэта. Мне он кажется простым, искренним, любящим природу, ведь он так нежно говорит о полевых скромных цветах, и они – его друзья.Есенин сам похож на тот северный василёк, который врос корнями в родную землю. Значит, поэт любил не только цветы, но и родную землю, свою родину».

А этой осенью на свою «пятиминутку» я вновь принесла букет цветов, букет астр. Многие с пренебрежением относятся к этим цветам, а мне астры очень нравятся. Это цветы моего месяца, потому что я родилась в августе. Поэтесса XX века Марина Цветаева помогает осознать красоту этих скромных, незатейливых цветов.

Август – астры,

Август – звезды,

Август – грозди

Винограда и рябины

Ржавой – август!

Полновесным, благосклонным

Яблоком своим имперским,

Как дитя, играешь, август.

Как ладонью, гладишь сердце

Именем своим имперским:

Август! – Сердце!

Месяц поздних поцелуев,

Поздних роз и молний поздних!

Ливней звездных –

Август! – Месяц

Ливней звездных!

Вы заметили, что в этом стихотворении ключевое слово август. Что оно означает? Август, как известно, финал лета, изобилие, щедрый урожай…Анафора и тире между подлежащим и сказуемым подчеркивают всеохватность жизни. «Август – астры…» слово астра в греческом языке означает «звезда», а форма этого осеннего цветка напоминает звезду.

Август – грозди

Винограда и рябины

Какая интересная метафора – «грозди ржавой рябины»! Ржавый – желто-бурый, рыже-бурый (по В.Далю) – цвет неспелой рябины здесь обещает не погибель, а расцвет и очарование любимой Мариной Цветаевой рябины. Анжанбеман передает повышенную эмоциональную напряженность речи.

А далее уже новые открытия: «благосклонным яблоком», «яблоко имперское»… Марина Цветаева отождествляет слово август с именем римского императора Октавиана Августа (отсюда и «имперское» имя последнего месяца лета). Эпитет «имперским» передаёт царственность красоты, свойственной этому месяцу.

… Именем своим имперским:

Август! – Сердце!

Если вы прочитали бы это стихотворение в книге, то обязательно обратили бы внимание на обилие восклицательных знаков препинания, оно подчеркивает авторское открытие – вот что, оказывается, август – «Сердце!». А далее – о «жизни сердца». И, наконец, финальный аккорд:

Август! – Месяц

Ливней звёздных!

А вот и народная примета: издавна считалось, что август – месяц обильного звездопада, когда можно загадать желание и оно обязательно исполнится.

Интересна звукопись стихотворения. Резкое, взрывное р («…грозди Винограда и рябины Ржавой…») сменяется плавными л, м, н («…полновесным, благосклонным яблоком…», «…как ладонью, гладишь сердце…»), и в финале как будто слышится приглушенный звон з, д, ц в восклицаниях радости открытия мира и восхищения им.*

Необычные стихи, странные мысли, радостные чувства…

«Живопись в русской поэзии».

В 6 классе мы учились соединять поэзию с живописью. А началось всё с картины Н. К. Рериха «Бэда- проповедник». В Новосибирском художественном музее 60 картин Рериха. Они подарены Сибири Ю. Н. Рерихом, сыном Николая Константиновича. Экскурсовод рассказала, что картина написана художником под впечатлением от одноимённого стихотворения поэта XIX века Якова Полонского, и прочла его. Всем нам сразу стало понятно то, что изображено на картине Рериха.

*См.: Корчагина Л. М. Стихотворение М. Цветаевой «Август – астры…» // РЯШ. – 1998. - №3.

Оказывается, стихи помогают лучше понимать картины. Значит, существует связь живописи и поэзии. Когда читаешь именно такие стихи, то словно растворяешься в двух искусствах, возникает

ощущение, что смотришь на живопись изнутри, даже становишься её участником.

Мне нравилась картина «Джоконда» Леонардо да Винчи, и очень захотелось узнать, есть ли в русской поэзии стихи, посвящённые этой картине. И я провела своё первое исследование. Мне, конечно, помогло то, что я занимаюсь в художественной школе и изучаю «Историю искусств». Вот что у меня получилось.

Леонардо да Винчи. «Джоконда» - Марк Лисянский. «Улыбка Джоконды».

«Джоконду» воспели многие поэты. Я нашла 5 стихотворений(Голенищев-Кутузов А. «Мона-Лиза», Озеров Л. «Ещё не видно лица на портрете…», Вертинский А. «Джиоконда», Ряшенцев Ю. «Джоконда», Лисянский М. «Улыбка Джоконды»). Перед вами «Мона Лиза» («Мона» - сокращенное «Мадонна») - портрет молодой женщины, жившей за пятьсот лет до нас, этот портрет называют еще «Джоконда»». Пожалуй, это – самое знаменитое живописное полотно на Земле. Трудно в наши дни найти человека, который не знал бы об этом портрете или не видел его репродукций. Написал его около 1503г. великий итальянский художник Леонардо да Винчи. Перед нами богатая горожанка, одетая по моде ХVI века, жена флорентийского купца Джокондо. В период создания портрета женщине было около 24-26 лет. Она чуть улыбается, задумчива, мечтательна, немного грустная. Вглядываясь в это прекрасное лицо, мы видим богатый и сложный мир этой женщины, ее незаурядный ум.

Мона Лиза изображена на фоне пейзажа. Далекие горы, небо, реки, деревья – все слегка подернуто дымкой. Будучи непревзойденным мастером композиции, блестящим знатоком перспективы, Леонардо да Винчи впервые применил «сфумато» - прием живописи, когда предметы как бы тонут в воздушной среде и их очертания становятся неуловимыми, а все исполнение удивительно мягким. До сих пор люди просто замирают перед картиной. И загадочная улыбка Моны Лизы словно говорит зрителю, что в мире еще столько прекрасного и непознанного, столько простора для вдохновения и творчества.

Из всех названных стихотворений о «Джоконде» больше других мне нравится «Улыбка Джоконды» Марка Лисянского. Все передано в нём: и история создания портрета, и что с ним происходило, и характер Джоконды, и сведения о Леонардо… Стихотворение помогло мне лучше понять картину.

Летел в её улыбку камень,

Вонзали нож по рукоять.

Посмотрит темными зрачками -

И улыбается опять.

Из Лувра выкрали. И даже

На Пикассо упала тень,

Но вновь она на вернисаже

Улыбкою встречает день.

Смеялись флейты,

Пели скрипки

На всех сеансах год подряд,

Чтоб вызвать этот миг улыбки,

Непостижимый этот взгляд.

Умолкло все,

Все притаилось

На всех ветвях, на всех кустах,

Когда улыбка появилась

У Моны Лизы на устах.

Постичь до дна улыбку надо,

Чтоб увидать в её лице

Измученного Леонардо

С улыбкой на худом лице

Левша, он сам сработал раму

Сам врезал в раму вензеля.

С тех пор улыбкой этой самой

Так восхищается земля.

Джоконда властна и коварна

Сквозь линзы стекол четырех

Глядит с улыбкой лучезарной

Равно на умниц и дурех.

Смеётся флейта,

Плачет скрипка –

Не расставались будто с ней,

А легендарная улыбка

Меж тем с годами все ясней.

Не меркнет и не угасает,

Светлее дня,

Сильнее тьмы.

Джоконда, видно, что-то знает,

Чего ещё не знаем мы.

В одном из крупнейших музеев мира, Лувре, где «Джоконда» хранится уже пять веков, в каждом зале помещен указатель с краткой надписью: «К Джоконде», к главному сокровищу музея.

В чем же секрет неувядающей славы и обаяния этой картины? Почему во время демонстрации «Джоконды» в музеях самых разных стран мира многочисленные толпы зрителей шли к ней непрерывным потоком?

Мне кажется, что в облике этой прекрасной женщины перед нами словно предстает «лицо» самой эпохи Возрождения…

Летом я прочитала рассказ Р.Брэдбери «Улыбка». Его называют одним из лучших рассказов писателя-фантаста, а мне он показался очень страшным.

2061-й год. Развалины городов, светящиеся от радиации поля, мертвые дороги, угрюмые лица «новых троглодитов». Их единственная потребность – зрелища. Вот и сегодня для них праздник. Огромная очередь, поглотившая мальчика Тома, выстроилась на главной площади уже в пять часов утра. «Том мысленно перебрал праздники, в которых участвовал за последние годы. Вспомнил, как рвали и жгли книги на площади, и все смеялись, точно пьяные. А праздник науки месяц тому назад, когда притащили в город последний автомобиль, потом бросили жребий, и счастливчики могли по одному разу долбануть машину кувалдой!..»

Сегодня праздник искусства. В центре города выставили картину Леонардо да Винчи «Мона Лиза» и каждый желающий может плюнуть в прекрасное лицо.

«Том замер перед картиной, глядя на неё.

Ну, плюй же!

У мальчишки пересохло во рту.

Том, давай! Живее!

Но, - медленно произнёс Том, - она же красивая!»

Мало того, добрые власти разрешили жителям уничтожить картину. В мгновение ока толпа разломала раму, разодрала оплёванный холст, разорвала его на тысячи лоскутьев. Том успел схватить клочок картины и убежал домой.

Когда все уснули, он разжал пальцы и увидел на своей ладони улыбку Джоконды.

«Он смотрел на неё в белом свете, который падал с полуночного неба. И тихо повторял про себя, снова и снова: «Улыбка, чудесная улыбка…».

Я уважаю Тома за его поступок. Мне хотелось бы поступить так же. Мальчик – «человек, у которого душа лежит к красивому», и, мне думается, нам нужно брать с него пример.

Стихотворения о живописи.

Мне нравятся картины Карла Брюллова, особенно «Всадница».

Все знают, что К.Брюллов был блестящим портретистом. На знаменитом полотне «Всадница» (1832г.) изображены воспитанницы графини Ю.П.Самойловой - Джованнина и Амацилия Паччини. В центре картины на горячем скакуне - старшая сестра Джованнина. Лошадь горячится, но всадница сидит прямо и гордо, уверенная в себе. Слева от юной амазонки – балкон, на который выбежала её младшая сестра; в глубине – тенистый парк. Общий силуэт всадницы и коня образует подобие треугольника – устойчивую, издавна любимую форму построения парадного портрета (об этом нам говорили на занятии в художественной школе). Так решали многие композиции Тициан, Веласкес, Рубенс, Ван Дейк. Под кистью Брюллова старая композиционная схема истолковывается по-новому. Художник вводит в картину фигуру ребёнка. Маленькая девочка, услышав топот коня, стремительно выбежала на балкон и протянула руку через решетку. И восторг, и боязнь за наездницу выражает её лицо. Нота живого, непосредственного чувства умеряет холодную величавость портрета, придаёт ему непосредственность и человечность. Изображенный на холсте лохматый пес помогает создать впечатление того, что в картине пространство развертывается не только в глубину, но существует и перед персонажами.

«Всадница» зрелищна, эффектна. Мастер смело сочетает розовое платье девочки, бархатисто-черный цвет шерсти скакуна и белое одеяние всадницы. Брюллов дает сложную гармонию розово-красных, синевато-черных и белых оттенков. Живописец как бы намеренно выбирает не сближенные, а контрастные сочетания. Брюллов добился здесь особой тональной гармонии. А в отличие от традиционных портретов герои показаны в движении.

Когда я смотрю на эту картину, мне хочется оказаться на месте Джованнины.

Описание этой картины в стихах подарил нам Всеволод Рождественский:

Ловя восторженные взгляды,

Вуаль небрежно отклоняя,

Она, царица кавалькады,

Уздою вздёрнула коня.

И вот строптиво и сердито

В сверканье бляшек и колец

Взметнул точёные копыта

Гнедой атласный жеребец.

Он весь – строфа стихотворенья,

Дань романтической мечты,

Сдержал порыв и нетерпенье,

Смиренный властью красоты.

Великий праздник светотени –

Брюлловской кисти полотно,

В нём всё условно, как на сцене,

И тайной прелести полно.

Не всё ль равно, кто был моделью

Для амазонки прежних лет,

Кому польстил, с какою целью

Волшебно созданный портрет.

Пусть переливчато струится

Отважной всадницы атлас,

А эта юность вечно длится

И веет свежестью на нас!

Картина В. А. Серова «Девочка с персиками» и стихотворение Надежды Поляковой «Девочка с персиками»?

На персиках – игра теней и света.

И девочка с курчавой головой.

К столу – на миг. И снова в парк, где лето

Зазеленит ей туфельки травой.

22-х летним юношей Серов написал картину, которая является гордостью русской живописи, украшением Третьяковской галереи, - «Девочку с персиками». В портрете Верочки Мамонтовой все естественно и непринужденно. Каждая деталь картины на своем месте, написаны все стулья зимней столовой, подсвечники на окне, даже фигурка игрушечного солдатика в глубине комнаты, на стене – фарфоровая тарелка, за окном сад в дни позднего лета. Ничего нельзя убрать или сдвинуть без того, чтобы не нарушить внутреннего равновесия всего полотна.

Особенно выразительно В.Серов передал свет, льющийся серебристым потоком из окна и наполняющий комнату. Девочка сидит за столом и ничем не занята, словно на миг присела, машинально взяла в руки персик и держит его, глядя на вас просто и откровенно. Но покой этот только минутный. Даже бант, как бабочка, кажется, вот-вот улетит. И как бабочка выглядит сама девочка: вспорхнула в дом на миг, с солнцем и теплым ветром, присела на краешек стула, озарив комнату улыбкой, и сейчас же улетит обратно – на улицу, где во всю сияет летний день…

А после будет музыкальный вечер

И поздний ужин. Гости до утра.

Но пойман миг. И вот теперь он вечен,

Как вечен миг на кончике пера.

Перед нами прямой стихотворный отклик на художественное полотно.

Подобные стихотворения помогают всем лучше понимать картины художников (В. Василенко «Троица Андрея Рублёва», В. Соколов «Грачи прилетели», Б. Пастернак «Гефсиманский сад», Я. Полонский «К портрету Лопухиной», В. Рецептер «Блудный сын», В. Рождественский «Мадонна Литта», В Шаламов «Утро стрелецкой казни», «Боярыня Морозова», А. Вознесенский «Васильки Шагала» и др.).

А если бы не стихотворение Эмили Александровой «Жнецы», то я вряд ли бы обратила внимание на картины художника Венецианова Алексея Гавриловича. Рассматривая в альбоме картины Венецианова, я обратила внимание на одну деталь, меня она очень заинтересовала. Какая деталь, как вы думаете? Конечно, бабочки, мотыльки. В картине «Жнецы» на переднем плане художник изобразил крестьянку с сыном в момент отдыха, а за ними – золотое поле пшеницы. Грустны их лица. Нет в них веселья, радости…Мать о чём-то задумалась, отведя взгляд в сторону, а мальчик, крепко сжимая в руке серп, неотрывно смотрит на мотыльков. Чем они его так заинтересовали? Ответ в стихотворении Э. Александровой:

Как полдень августа медов,

Как знойный воздух густ!

Над нивой пение жнецов,

Над нивой стеблей хруст.

Звенят серпы, сверкает сталь,

И жатва входит в раж,

И в золотых опилках даль,

Как золотой мираж.

Но это там, за рамой, вне

Того, что видит глаз.

Для вечности на полотне

Лишь миг художник спас.

Ладонь натруженной руки.

На ней, как лепестки,

Как золотые угольки,

Пылают мотыльки.

И в знойном мареве хлебов,

Задумчиво, без слов

Глядят рабы на мотыльков

Не знающих оков.

Крестьяне-рабы мечтают стать свободными, как мотыльки. Первая часть стихотворения рисует картину коллективного труда: «над нивой пение жнецов», а затем поэтесса через яркую деталь («ладонь натруженной руки») приближает к нам образы крестьян. Они трудолюбивы, умеют работать, но они – рабы! Какое может быть счастье в рабстве?! Вот и завидуют свободным мотылькам. Мне жаль их…

Почему на многих картинах Венецианова изображены крестьяне, ведь известно, что он брал уроки у талантливого портретиста Боровиковского и позже за свои портреты получил звание академика живописи. И вдруг признанный художник в возрасте 43 лет оставляет портретную живопись. Что же случилось? А случилось вот что. После Отечественной войны 1812 года демократические идеи широко распространились в русском обществе. Русский крестьянин – патриот, партизан и солдат, спасший Родину от иноземного нашествия, вызывает большой интерес и симпатии со стороны лучших людей России. Именно поэтому Алексей Гаврилович избирает теперь героем своих картин крестьянина, отказавшись от писания парадных портретов.

Заключение.

Цель искусства – благотворно воздействовать на душу человека, пробудить в ней радость, эстетическое наслаждение. Именно с этим стихотворения о живописи справляются хорошо. Живопись – искусство «немое», его нелегко охватить сознанием. Стихотворения же добавляют к наслаждению, какое обычно бывает от живописи, тонкую интеллектуальную игру – анализ. Сделанный поэтом, он значительно облагораживает это восприятие, переводит его в словесный ряд, обязательный для дальнейшей духовной работы. Стихотворениям именно о живописи в русской поэзии положил начало Гавриил Романович Державин, написавший на рубеже 18-19 веков два стихотворных обращения к художникам. Много их было написано во время Серебряного века русской поэзии. Эту традицию продолжил и поэт 20 века Николай Заболоцкий:

Любите живопись, поэты!

Лишь ей, единственной, дано

Души изменчивой приметы

Переносить на полотно…

Замечательные экскурсоводы – поэты ведут нас в волшебный мир живописи.

Такая исследовательская работа мне нравится. Сейчас я заинтересовалась портретом И. Н. Крамского «Неизвестная», начала собирать материал. Очень понравилось стихотворение Якова Белинского «Крамской «Неизвестная»:

Из – под берета – тёмные пряди,

брови мерцают звёздной пыльцой,

тесно, и властно, и сладко – ты рядом,

ветер и – дивное это лицо…

Своими находками я охотно поделюсь с одноклассниками, ребятами младших классов.

Список литературы (эти книги помогли мне в работе над проектом):

Фенина С. Беседы о русских художниках. - М., 1990.

Ионина Н.А. 100 великих картин. - М.,2001.

Иванов А.Б. Рассказы о русских художниках. - М., 1988.

Энциклопедия для детей Аванта+. - М., 1999. – Т. 7.

Юный художник. – 1982. - № 3. – С. 17.

Алленов М. М. История русского искусства(18 – 20 век), - М.,2008.

Корчагина Л. М. Стихотворение М. Цветаевой «Август – астры…» Русский язык в школе. – 1998. - №3.

Писаренко В. Н. Живопись в русской поэзии. – Одесса: Радость, 2001.

«Живопись — это поэзия, которую видят, а поэзия — это живопись, которую слышат » - так перевели изречение Леонардо да Винчи одни знатоки языка, но правильнее, мне лично так кажется, следующий вариант перевода: «Живопись - это немая поэзия, а поэзия - это слепая живопись ». Пабло Пикассо сказал, что «Живопись - занятие для слепцов. Художник рисует не то, что видит, а то, что чувствует ». Абсолютно применимо это изречение и к поэтам, они пишут стихи так же о том, что чувствуют, а не просто созерцают.

Что же прозвучало выше? Какой основной лейтмотив из выше сказанного я бы хотел взять? Ответ можно втиснуть в рамки одного предложения - поэзия и живопись - это 2 стороны одной медали, это чувственное, эмоциональное отображение происходящего вокруг внутри творческого человека.

Человек всю свою жизнь тянется к прекрасному. Совсем иное дело и другой вопрос в том, что это «прекрасное» для каждого отдельного человека свое или имеет свои нюансы. «На вкус и цвет…»,- как говорится. Творческое начало у каждого человека имеет свою степень выраженности - у одних оно развито чрезвычайно сильно, у других почти полностью атрофировано. Но никто не станет спорить, что те или иные события или явления в жизни волнуют, впечатляют, заставляют радоваться или горевать. Если человек не впечатляется ничем, то у него психологические проблемы или отклонения, которые следует лечить или исправлять.

Но вот эмоции, чувства, размышления - это и есть родители живописи и поэзии. Именно - общие родители, а значит, что эти 2 вида искусства родные друг для друга. Лично я считаю, что при всем моем почтении к глубокоуважаемому, великому и несравненному Леонардо, мастер был не прав в своем суждении. Так сказать - это слишком недопустимо поверхностно. Потому, что бывает, и это мое неоспоримое субъективное мнение, когда поэзия рисует в моем воображении картины, а живопись поет.

Живопись и поэзия неразделимо связаны тем объединяющим чувственно-эмоциональным фактором, который у них никак не отнять. Они отображают видение сердцем творца того или иного явления, переживания, ситуации.

«Творенье может пережить творца: Творец уйдет, Природой побеждённый, Однако образ, им запечатлённый, Веками будет согревать сердца .», - писал Микеланджело и очень правильно отметил еще одну общую черту поэзии и живописи. Они обе запечатляют художественные и поэтические образы на века, делают их всеобщим достоянием.

Насколько был бы беден и скуден мир без живописи и поэзии. Они дарят нам чувство прекрасного, дарят нам светлые и правильные эмоции, культивируют в нас Человека. Именно Человека с большой буквы, который интеллектуальный, интеллигентный, со светлой головой и правильными вкусами. Да что там говорить, я считаю, что именно поэзия и живопись и есть тем отличающим фактором, который детерминировал наше отличие от зверей.

Цель: Раскрыть взаимосвязь таких видов искусства, как живопись, поэзия и музыка через теорию и практику.

Задачи:

Обучающая: Познакомить учащихся с произведениями искусства живописи (репродукциями картин Дирка Гальса «Концерт», Антуана Ленона «Юные музыканты» Пьетра Лонги «Концерт», поэзии (стихотворением Заболоцкого «Любите живопись поэты…») и музыки (шедеврами инструментальной музыки).

Развивающая (коррекционная): Развивать эстетический вкус, образное мышление, фантазию, чувство цвета и цветовой гармонии.

Воспитывающая : Воспитывать любовь к искусству, творчеству.

Оборудование:

Для учителя: Репродукции картин: «Концерт» Дирка Гальса, «Юные музыканты» Антуана Ленена, «Концерт» Пьетра Лонги, магнитофон, диск с записью шедевров инструментальной музыки, стихотворение Н. Заболоцкого «Любите живопись поэты...»

Для детей: Альбомные листы, акварельные краски, кисти, нитки, баночка для воды.

Ход занятия

1. Организационный момент.

Объявляется тема занятия. Начинает тихо звучать музыка.

2. Основная часть.

Беседа о живописи, поэзии и музыке.

– Под музыку звучит стихотворение Заболоцкого «Любите живопись поэты…», демонстрируется портрет Струйской.

1. Любите живопись поэты!
Лишь ей, единственной, дано
Души изменчивой приметы
Переносить на полотно.
2. Её глаза – как два тумана,
Полуулыбка, полуплач,
Её глаза – как два обмана
Покрытых мглою неудач.
3. Соединенье двух загадок
Полувосторг, полуиспуг,
Безумной важности припадок
Предвосхищенье смертных мук.
4. Когда потёмки наступают
И приближается гроза,
Со дна души моей мерцают
Её прекрасные глаза.

Музыка выключается.

– Как вы думаете, почему прозвучало это стихотворение?

– О чьём портрете поэт так восхищённо писал?

– Кто написал этот портрет?

– Если кто-то был внимателен, то заметил некоторую особенность в том, как я говорю о стихотворении и о живописном произведении (оба произведения написаны ).

– Как вы думаете, взаимосвязаны живопись и поэзия? Как?

– Думаю, вы убедились во взаимосвязи живописи и поэзии. Женские образы, написанные, кистью великих художников вдохновляли поэтов. Так появлялись и строки, которые только что прозвучали. До того портреты были естественны, завораживали, и на них все хотелось смотреть и смотреть.

– А как же связаны между собой живопись и музыка, как вы думаете?

Под музыку мы можем смотреть произведения искусства, можем рисовать под музыку, можем изображать музыкальные инструменты.

– Связь живописи и музыки открыта не сегодня, а много веков назад. Ещё Леонардо да Винчи назвал музыку сестрой живописи. Эти два искусства развивались параллельно, дополняя друг друга. Музыканты и музыкальные инструменты были излюбленной темой для художников различных эпох. Например: «Концерт» Дирка Гальса, «Юные музыканты» Антуана Ленена, «Концерт» Пьетра Лонги.

Для живописи важны понятия ритма, движения, гамма, цвет. Для музыки понятия колорит, симметрия, звучание цвета, холодный и тёплый звук. Иногда музыка сопровождается гаммой цвета. Эти два вида искусства пользуются одними понятиями, чтобы, как можно выразительнее раскрыть сущность своих произведений. Синтез музыки и живописи всегда волновал людей искусства и появился в опере, балете и театре, в котором происходит синтез всех искусств.

Музыку можно не только слушать, но и изображать, иногда она даже подталкивает к созданию живописных произведений. Музыка может создавать наше настроение. Слушая грустную музыку, появляется и соответственное настроение, а если мы еще и рисуем под такую музыку, то и цвета непроизвольно выберем приглушённые, мрачноватые. Энергичная, весёлая музыка поднимает наш жизненный тонус, улучшает настроение, соответственно и жизнь мы напишем яркими, радостными красками.

Я думаю, мы с вами убедились, что живопись, поэзия и музыка взаимосвязаны. Каждый из этих видов искусств может существовать отдельно, но при случае и очень успешно дополнять друг друга.

Практическая работа.

– Дорогие друзья, предлагаю вам, убедится ещё и на практике, во взаимосвязи этих прекрасных искусств. Давайте не просто рисовать под музыку, а попытаемся вслушаться в музыку, прочувствовать её, попытаться передать её настроение, изобразить её цветом и придать ей форму.

Делать мы это будем не совсем обычным способом. Для этого нам понадобится нитка десятого номера, альбомный лист, акварельные краски, баночка с водой и беличья кисть. Подумав, как, что и каким цветом вы будете изображать, покрасим нитку в соответственные цвета, предварительно разложив ее в краски. Затем выкладываем на одной половинке сложенного листа задуманную форму – образ, вызванный при прослушивании музыки. Накрываем выложенный из нитки рисунок второй половиной альбомного листа и, не снимая с него ладони, вытягиваем нить за кончик оставленный вне сложенного пополам листа.

Получились очень интересные, творческие работы, передающие не только настроение прослушанной музыки, но и ваше внутреннее настроение. Все молодцы.

3. Итог занятия.

Проводится просмотр детских работ и их анализ, сравнение с музыкой, производится выбор поэтического названия каждой работы.

– Понравилось ли вам это занятие? Чем?

– Что больше запомнилось?

– Что нового узнали?

– Как взаимосвязаны между собой три вида искусств, о которых шла речь на протяжении всего занятия?

Спасибо всем. Завершить занятие хочу теми же словами Н. Заболоцкого, какими и начала.

Любите живопись поэты!
Лишь, ей единственной дано
Души изменчивой приметы
Переносить на полотно…

О японской каллиграфии в западном искусствоведении говорят мало, предварительно признаваясь в бессилии и неприспособленности существующего научного языка. Но если взять себе в оправдание восточное представление о написанном слове как о материализованном явлении, то на такой разговор можно решиться. Заговорить, чтобы понять.

Японцы относят каллиграфию к изящным искусствам — причем, считают ее искусством более сложным, чем живопись или гравюра

Литография (от гр. Litos – камень) – способ получения гравюры , при котором краска наносится на поверхность под давлением. При этом оттиск создается с гладкой поверхности, которая, вследствие химической обработки, способна удерживать нанесенный пигмент на основе олифы на определенных фрагментах. Технику изобрели в Германии как более дешевый аналог офорта, позволяющий тиражировать изображения. Это и поспособствовало тому, что литографию начали широко применять в типографиях. Помимо этого она была востребована в искусстве XIX-XX веков, в частности, такими мастерами, как Анри Матисс (Henri Matisse), Франсиско Гойя (Francisco José de Goya), Сальвадор Дали (Salvador Dalí).

Акварель (от итал. «aquarello») – широко известная техника рисования с помощью красок на водной основе, изобретенная в III ст. в Китае. Акварельные краски после растворения в воде становятся прозрачными, поэтому при нанесении их на зернистую бумагу изображение выглядит воздушным и тонким. В отличие от картин маслом, в работах акварелью отсутствуют фактурные мазки.

Пастель (от лат. pasta – тесто) – материалы, в виде мелков, применяемые в живописи и графике. Может быть восковой, сухой и масляной. Сухая пастель предполагает применение метода растушевки, с помощью которого можно достичь мягких цветовых переходов. Помимо этого различают твердую пастель для рисунка и мягкую для сочных крупных штрихов. Изображение наносят на фактурную поверхность, способную удержать пигмент: бархатную, пастельную и наждачную или тонированную бумагу для акварели. Ранее мастера рисовали даже на замше. Единственный минус – способность осыпаться. Поэтому после завершения работы картину фиксируют специальным материалом или обычным лаком для волос. Название красок произошло от названия техники «а пастелло», применяемой итальянскими художниками ХVI века. Спустя два столетия эту тенденцию подхватили во Франции. Художники, прежде всего, оценили скорость и легкость написания картин с помощью пастели. Ею пользовался Дега, размашисто накладывая краску на поверхность, а после - обрабатывая паром, что делало материал податливым для растушевки пальцами.

В японской каллиграфии используется минимум материалов, вид и качество которых не меняется уже сотни лет. Белая рисовая бумага и черная тушь, широкая кисть — для написания иероглифов, тонкая — для написания имени мастера. Под бумагу подкладывают черную циновку, прижимают лист металлической планкой, в тяжелой черной чернильнице растирают тушь. «Четыре драгоценности кабинета» — так называют в Японии письменные принадлежности: бумагу, тушь, чернильницу и кисть.
Фото: rarebook-spb.ru

Каллиграфия — живопись

Часто сами японцы, а тем более не японцы, уже не понимают смысла изображенных на свитке иероглифов. Их прямое значение — второстепенно. Смысл создают те же элементы, что в любом изобразительном искусстве: цвет, линия, энергия мазка. Цвет в свою очередь — это не только черные линии, написанные тушью, но и белый фон, сама бумага. Белое представляет абсолютное пространство, содержащее в себе всё. Художник погружается в эту предельную, начальную и конечную, истину, вступает в контакт — и изображает его, это взаимодействие, иероглифом или целой фразой.

Иероглиф — объемное изображение. Толстые линии выступают на первый план, тонкие как будто уходят на второй, третий. Одна порция туши — один иероглиф. На каком-то изгибе кисть остается уже почти сухой и оставляет едва заметный след или пробелы, где-то по бумаге расходятся полупрозрачные лучи, тушь растекается — это тоже часть сиюминутного контакта с истиной.

Каллиграфия — путь

Привычные для западного искусствоведения термины не помогут объяснить вневременного и сиюминутного смысла каллиграфии. Глубоко традиционное искусство, которое важно в каждом конкретном акте созидания. Иероглиф — итог многолетнего духовного пути мастера, который изображается на самом недолговечном и хрупком материале — бумаге.

Современный каллиграф Моримото Рюсэки на российских выставках объяснял ее смысл так: «Каллиграфия трехмерна. Движение кисти по бумаге — только часть движения, потому что кисть еще движется в воздухе, макается в тушь или чернила. Моя работа — череда прикосновений и жестов. Вы видите только следы. На бумаге остаются следы и память о движении кисти. Чтобы понять каллиграфию, необходимо видеть процесс. Движение палочки дирижера есть идеальная формула каллиграфии. Дирижер думает не о собственно движении, он думает о музыке, которая явится результатом этого движения» .

История: Китай и Кукай

Каллиграфия — философия

Иероглифическая письменность в V веке(по некоторым предположениям в VII — VIII веках) приплывает в Японию по морю, из Китая и Кореи, вместе с первыми буддистскими сутрами. Сначала их долго переписывают, не меняя принципов начертания иероглифов и их значения. Но необходимость читать на китайском сильно осложняет распространение буддизма. И тогда каллиграфы начинают использовать китайские иероглифы, отбрасывая их значение, и оставляя только звучание. Из таких иероглифов-слогов складываются привычные для японцев слова. Но философский смысл каллиграфии не упрощается, а получает глубину с развитием дзен-буддизма и навсегда остается связан с практикой духовного развития.

Памятник монаху Кукаю в Осаке. Фото: sindzidaisya.livejournal.com

Портрет Кукая. XIV век. Чикаго, Институт Искусства.

Монах Кукай, живший в VIII веке, разработал слоговую азбуку, привел в порядок тысячи иероглифов, упростил их и привел к единому написанию, он был одним из первых каллиграфов в Японии, основателем первых общеобразовательных школ для всех сословий. Но его лингвистические и художественные достижения — часть(или результат) гораздо более важной духовной деятельности. Кукай основал буддийскую школу Сингон, стал бодхисатвой и не умер, а перешел в особое состояние ожидания Будды. Монаха Кукая, императора Сагу и придворного чиновника Татибана-но Хаянари, первых великих каллиграфов в истории Японии, называют« Три лучшие кисти»(Сампицу). Трудно представить, чтобы люди такого положения занимались живописью и писали виды Эдо или актеров театра Кабуки.

О Кукае рассказывают легенду. Однажды император попросил его украсить пятистворчатую ширму каллиграфическими рисунками. Мастер взял пять кистей: в руки, ноги и в зубы. И написал иероглифы сразу на пяти панелях.

Каллиграфия — поэзия

В произведениях японской каллиграфии не бывает негативного содержания. Никто не станет десятилетиями обращаться к абсолютной правде в поисках угнетающих и ранящих знаков. Свитки с одним единственным словом, краткой мудростью или лирическим образом создаются для того, чтобы вдохновлять человека на поиски гармонии в самом себе, желать удачи, счастья, покоя, равновесия, просветления другим.

Свитки с благоприятными пожеланиями или небольшими стихотворениями размещали, например, в токонома — специальной нише японского чайного домика. Высказывание, написанное на свитке, обязательно обсуждалось во время чайной церемонии и подбиралось к конкретной встрече. В неповторимости и сиюминутности каждой встречи — основной смысл чайной церемонии. Эту особость проживал и осмысливал каждый участник, испытывая радость от того, что это происходит, и грусть от того, что больше не повторится. Сейчас токонома устраивается в каждом японском доме — и там по-прежнему обязательно находится каллиграфическая надпись, икебана и иногда живописные произведения или гравюры.

Гравюры известных японских художников часто сопровождаются текстом, стихотворением, которому композиционно отводится центральное место на листе. Это как раз изображение иллюстрирует фразу, а не фраза разъясняет изображенное.

Современная каллиграфия