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도상학(역사)

2-4세기의 로마 카타콤에서는 상징적이거나 서사적인 성격의 기독교 예술 작품이 보존되었습니다.

우리에게 내려온 가장 오래된 아이콘은 6세기로 거슬러 올라가며 나무 바닥에 엔카스트 기법을 사용하여 만들어졌으며 이집트-헬레니즘 예술(소위 "파윰 초상화")과 유사합니다.

주요 이미지의 도상학뿐만 아니라 아이콘 페인팅의 기술과 방법은 이미 도상 붕괴 시대가 끝날 때까지 발전했습니다. 비잔틴 시대에는 이미지 스타일이 다른 여러 기간이 있습니다. 마케도니아 르네상스» X - XI 세기의 전반부, 1059-1204년의 Komnenos 시대의 아이콘 그림, « 팔라이올로간 르네상스» 초기 XIV 세기.

기독교와 함께 아이콘 페인팅은 불가리아에 먼저오고 세르비아와 러시아에옵니다. 이름으로 알려진 최초의 러시아 아이콘 화가는 St. Alipiy(Alympiy)(키예프, ? - 연도)입니다. 최초의 러시아 아이콘은 타타르족의 침략으로 황폐해진 남쪽의 가장 오래된 사원이 아니라 노브고로드 대왕의 아야 소피아에 보존되어 있습니다. 고대 러시아에서는 사원에서 아이콘의 역할이 비정상적으로 증가했습니다(전통적인 비잔틴 모자이크 및 프레스코와 비교하여). 다층적인 아이콘 고정이 점차 형성되고 있는 것은 러시아 땅에 있습니다. 고대 러시아의 도상학은 실루엣의 표현력과 큰 색상 평면 조합의 선명도, 다가오는 아이콘에 대한 더 큰 개방성으로 구별됩니다.

러시아 아이콘 그림은 14-15세기에 절정에 이르며 이 기간의 뛰어난 마스터는 Theophanes Theophanes, Andrei Rublev, Dionysius입니다.

아이콘 페인팅의 원래 학교는 남슬라브 국가인 조지아에서 형성됩니다.

17세기부터 러시아에서 도상화는 쇠퇴하기 시작했고, 도상화는 더 “주문에 따라” 칠하기 시작했으며, 18세기부터는 전통적인 템페라(템페라) 기법이 점차 서양의 기법을 사용하는 유화로 대체되었습니다. 유럽 ​​미술 학교: 인물의 chiaroscuro 모델링, 직접적인("과학적") 관점, 인체의 실제 비율 등. 아이콘은 초상화에 최대한 가깝습니다. 불신자를 포함한 세속 예술가들이 아이콘 페인팅에 참여합니다.

20세기 초 이른바 '이콘의 발견' 이후, 고대 도상화에 대한 관심이 컸고, 그 당시까지 그 기술과 태도는 거의 Old Believer 환경에서만 보존되어 있었습니다. 아이콘에 대한 과학적 연구 시대는 주로 문화적 현상으로 주요 기능과 완전히 분리되어 시작됩니다.

10 월 혁명 이후 교회 박해 기간 동안 많은 교회 예술 작품이 손실되었으며 "승리한 무신론 국가"의 아이콘에 유일한 장소가 할당되었습니다. 박물관은 "고대 러시아 예술"을 대표하는 박물관입니다. 도상학은 조금씩 복원되어야 했습니다. 아이콘 페인팅의 부흥에서 큰 역할은 M. N. Sokolova (수녀 Juliana)에 의해 수행되었습니다. 이민 환경에서 파리의 아이콘 사회는 러시아 아이콘 페인팅의 전통 복원에 종사했습니다.

관념론

학교와 스타일

아이콘 페인팅 역사의 수세기에 걸쳐 많은 국가 아이콘 페인팅 학교가 형성되어 자체 양식 개발 경로를 거쳤습니다.

비잔티움

비잔틴 제국의 도상학은 동방 기독교 세계에서 가장 큰 예술적 현상이었습니다. 비잔틴 예술 문화는 일부 국가 문화(예: 고대 러시아)의 조상이 되었을 뿐만 아니라 존재 전체에 걸쳐 세르비아, 불가리아, 마케도니아, 러시아, 조지아, 시리아, 팔레스타인, 이집트와 같은 다른 정교회 국가의 도상학에 영향을 미쳤습니다. 또한 비잔티움의 영향 아래 이탈리아, 특히 베니스의 문화가 있었습니다. 비잔틴 도상학 및 비잔티움에서 발생한 새로운 문체 경향은 이들 국가에서 가장 중요했습니다.

우상파괴 이전 시대

사도 베드로. Encaustic 아이콘입니다. 6세기. 시나이에 있는 성 캐서린 수도원.

우리 시대에 내려온 가장 오래된 아이콘은 6세기로 거슬러 올라갑니다. 6-7세기의 초기 아이콘은 고풍스러운 회화 기법을 보존합니다. 일부 작품은 고대 자연주의와 회화적 환상주의(예: 시나이의 성 캐서린 수도원의 아이콘 "Christ Pantocrator"와 "The Apostle Peter")의 특정 특징을 유지하는 반면, 다른 작품은 이미지의 인습성, 스케치성( 예를 들어 베를린 달렘 박물관의 "아브라함 주교" 아이콘, 루브르 박물관의 "그리스도와 성 미나" 아이콘). 고대가 아닌 다른 예술적 언어는 이집트, 시리아, 팔레스타인과 같은 비잔티움 동부 지역의 특징이었습니다. 그들의 도상학에서 처음에는 표현력이 해부학에 대한 지식과 부피를 전달하는 능력보다 더 중요했습니다.

순교자 세르지오와 바쿠스. Encaustic 아이콘입니다. 6세기 또는 7세기. 시나이에 있는 성 캐서린 수도원.

고대 형태를 변경하는 과정, 기독교 예술에 의한 영성화는 이탈리아 도시 라벤나의 모자이크의 예에서 명확하게 볼 수 있습니다. 이는 우리 시대에 살아남은 초기 기독교와 초기 비잔틴 모자이크의 가장 큰 앙상블입니다. 5 세기의 모자이크 (Gala Placidia 영묘, 정교회 세례당)는 생생한 각도의 인물, 자연주의적 볼륨 모델링, 그림 같은 모자이크 벽돌이 특징입니다. 5세기 말의 모자이크(Arian baptistery)와 6세기(Sant'Apollinare Nuovo의 대성당과 San Vitale의 교회인 Classe의 Sant'Apollinare)에서 그림은 평평해지고 주름의 선은 옷은 단단하고 도식적입니다. 자세와 몸짓이 멈추고 공간의 깊이가 거의 사라집니다. 얼굴은 날카로운 개성을 잃고 모자이크 배치는 엄격하게 정렬됩니다.

이러한 변화의 이유는 기독교의 가르침을 표현할 수 있는 특별한 그림 언어를 의도적으로 찾았기 때문입니다.

우상파괴기

기독교 예술의 발전은 730년부터 제국의 공식 이념으로 자리 잡은 성상파괴주의에 의해 중단되었습니다. 이로 인해 교회의 아이콘과 그림이 파괴되었습니다. iconodules의 박해. 많은 아이콘 화가들은 제국의 먼 끝과 이웃 국가로 이주했습니다. 카파도키아, 크림 반도, 이탈리아, 부분적으로 중동으로 이주하여 아이콘을 계속 만들었습니다. 787년 제7차 에큐메니칼 공의회에서 성상파괴주의가 이단으로 정죄되고 성상 숭배에 대한 신학적 정당화가 공식화되었지만, 성상 숭배의 최종적인 회복은 843년이 되어서야 이루어졌다. 성상파괴주의 시대에는 교회의 아이콘 대신 십자가의 이미지만 사용하고 오래된 벽화 대신 동식물의 장식 이미지를 만들고 세속적인 장면, 특히 콘스탄틴 5세 황제가 사랑한 경마를 묘사했습니다. .

마케도니아 시대

843년 성상파괴주의 이단에 대한 최종 승리 이후 콘스탄티노플과 다른 도시의 교회를 위한 벽화와 성화의 제작이 다시 시작되었습니다. 867년부터 1056년까지 마케도니아 왕조는 비잔티움을 통치했으며 전체 기간에 이름을 붙였으며 두 단계로 나뉩니다.

• 마케도니아 르네상스.

사도 Thaddeus는 Abgar 왕에게 손으로 만들지 않은 그리스도의 형상을 선물합니다. 접이식 새시. X 세기.

아브가르 왕은 손으로 만들지 않은 그리스도의 형상을 받습니다. 접이식 새시. X 세기.

마케도니아 기간의 전반부는 고전 고대 유산에 대한 관심이 증가한 것이 특징입니다. 이 시대의 작품은 인체의 이동에 있어서의 자연스러움, 커튼의 묘사에 있어서의 부드러움, 얼굴의 생동감이 특징이다. 고전 예술의 생생한 예는 왕좌에 앉은 하느님의 어머니의 이미지가 있는 콘스탄티노플의 성 소피아 모자이크(9세기 중반), 성 바오로 수도원의 접힌 아이콘입니다. 사도 Thaddeus와 Abgar 왕의 형상이 있는 시내의 Catherine, 손으로 만들지 않은 구세주의 형상이 적힌 판을 받고 있는 모습(10세기 중반).

10세기 후반에 아이콘 페인팅은 고전적인 특징을 유지하지만 아이콘 화가는 이미지를 더 영적으로 만드는 방법을 찾고 있습니다.

• 금욕적인 스타일.

11세기 전반기에 비잔틴 도상화의 양식은 고대 고전과 반대 방향으로 극적으로 변했다. 이 때부터 1028년 테살로니키에 있는 Panagia ton Halkeon 교회의 프레스코화, 30-40년에 Phokis에 있는 Hosios Loukas 수도원의 카톨리콘에 있는 모자이크 등 기념비적인 그림의 여러 대규모 앙상블이 살아남았습니다. XI 세기, 같은 시간의 키예프 성 소피아의 모자이크 및 프레스코, XI 세기 중반 - 3/4 분기의 Ohrid 성 소피아의 프레스코, 키오스 섬의 Nea Moni 모자이크 1042-56. 다른 사람 .

대집사 라브렌티. 키예프에서 성 소피아 대성당의 모자이크입니다. XI 세기.

이 모든 기념물은 극도의 이미지 금욕주의가 특징입니다. 이미지에는 일시적이고 변경 가능한 것이 전혀 없습니다. 얼굴에는 감정과 감정이 없으며 극도로 얼어붙어 묘사된 내면의 평정을 전달합니다. 이를 위해 동그랗고 동떨어진 듯한 거대한 대칭 눈이 강조된다. 수치는 엄격하게 정의된 포즈로 고정되어 종종 쪼그리고 앉고 과체중인 비율을 얻습니다. 손과 발이 무거워지고 거칠어집니다. 옷 주름의 모델링은 양식화되어 매우 그래픽이되어 조건부로 자연스러운 형태를 전달합니다. 모델링의 빛은 신성한 빛의 상징적 의미를 지닌 초자연적인 밝기를 얻습니다.

이 문체 경향에는 뒷면에 위대한 순교자 조지의 이미지가 완벽하게 보존 된 Hodegetria 신의 어머니의 양면 아이콘 (모스크바 크렘린의 가정 대성당에서 XI 세기)과 많은 책 미니어처가 포함됩니다. 아이콘 페인팅의 금욕적 경향은 12세기에 그 모습을 드러냈고 이후에도 계속 존재했습니다. 예를 들어 아토스 산의 힐란다르 수도원과 이스탄불의 그리스 총대주교청에 있는 호데게트리아 성모님의 두 아이콘이 있습니다.

콤니노프스키 시대

신의 어머니의 블라디미르 아이콘. XII 세기의 시작. 콘스탄티노플.

비잔틴 아이콘 그림의 역사에서 다음 기간은 Duk, Komnenoi 및 Angeli 왕조(1059-1204)의 통치에 해당합니다. 일반적으로 Komninovsky라고합니다. 11세기 후반에 금욕주의는 다시 고전적인 형식과 이미지의 조화로 대체되었습니다. 이 시기의 작품(예: 1100년경 다프네의 모자이크)은 고전적 형태와 이미지의 영성 사이의 균형을 이루며 우아하고 시적입니다.

11세기 말이나 12세기 초에 TG(Mother of God)의 블라디미르 아이콘의 창조는 거슬러 올라갑니다. 이것은 의심할 여지 없이 콘스탄티노플 작업의 Komnenos 시대의 최고의 이미지 중 하나입니다. 1131-32년. 이 아이콘은 특히 존경받는 러시아로 옮겨졌습니다. 원본 그림에서 하나님의 어머니와 아기의 얼굴만 남아 있습니다. 아름답고, 아들의 고통에 대한 미묘한 슬픔으로 가득 찬, 하나님의 어머니의 얼굴은 Komnenos 시대의보다 개방적이고 인간화 된 예술의 전형적인 예입니다. 동시에 그의 예에서 길쭉한 얼굴, 좁은 눈, 코 다리에 삼각형 포사가있는 얇은 코와 같은 Comnenos 그림의 특징적인 생리 학적 특징을 볼 수 있습니다.

성 그레고리 원더워커. 상. 12세기. 암자.

자비로운 그리스도 Pantocrator. 모자이크 아이콘입니다. 12세기.

베를린 달렘 주립 박물관의 모자이크 아이콘 "자비로운 그리스도 판토크라토르"는 12세기 전반기로 거슬러 올라갑니다. 구주 안에 있는 신과 인간의 형상, 집중과 관조, 신과 인간의 내적 조화와 외적 조화를 표현하고 있다.

포고. 상. 12세기 말 시나이.

XII 세기 후반에 "Gregory Wonderworker"라는 아이콘이 주에서 만들어졌습니다. 암자. 이 아이콘은 웅장한 콘스탄티노폴리스 문자로 유명합니다. 성자의 이미지에서 개인의 시작이 특히 강하게 강조됩니다. 우리 앞에는 철학자의 초상화가 있습니다.

• 코니노비안 매너리즘

들에 있는 성도들의 형상과 함께 그리스도의 십자가에 못 박히심. 12세기 후반의 아이콘.

12세기의 도상화의 고전적 경향 외에도 이미지의 더 큰 정신화 방향으로 균형과 조화를 깨뜨리는 경향이 있는 다른 경향이 나타났습니다. 어떤 경우에는 이것은 회화의 증가된 표현을 달성했습니다(가장 초기의 예는 1164년 Nerezi에 있는 St. Panteleimon 교회의 프레스코, 수도원에서 XII 세기 후반의 " Descent into Hell" 및 " Assumption" 아이콘입니다. 시나이의 성 카타리나).

12세기의 최신작에서는 이미지의 선형적 양식화가 극도로 강화된다. 그리고 옷의 휘장과 심지어 얼굴까지 형태를 구축하는 데 결정적인 역할을 하는 밝은 흰색 선의 네트워크로 덮여 있습니다. 여기서 빛은 이전과 마찬가지로 가장 중요한 상징적 의미를 갖는다. 지나치게 길어지고 가늘어지는 인물들의 비율도 양식화됐다. 양식화는 소위 후기 Comnenic 매너리즘에서 최대로 나타납니다. 이 용어는 주로 Kurbinovo에 있는 St. George 교회의 프레스코뿐만 아니라 Sinai 컬렉션에서 XII 세기 후반의 "Annunciation"과 같은 여러 아이콘을 나타냅니다. 이 벽화와 아이콘에서 인물은 날카롭고 빠른 움직임을 부여받고, 옷의 주름은 복잡하게 말리고, 얼굴은 왜곡되어 특히 표현적인 특징이 있습니다.

예를 들어 Staraya Ladoga에있는 St. George 교회의 프레스코화와 십자가에 대한 천사의 숭배를 묘사하는 "손으로 만든 구세주"아이콘의 회전과 같이 러시아에도이 스타일의 예가 있습니다. TG).

XIII 세기

도상학 및 기타 예술의 번영은 1204년의 끔찍한 비극으로 중단되었습니다. 이 해에 4차 십자군 기사들은 콘스탄티노플을 점령하고 끔찍하게 약탈했습니다. 반세기 이상 동안 비잔틴 제국은 니케아(Nicaea), 트레비존드(Trebizond), 에피루스(Epirus)를 중심으로 하는 세 개의 분리된 국가로만 존재했습니다. 콘스탄티노플 주변에는 십자군 라틴 제국이 형성되었습니다. 그럼에도 불구하고 도상학은 계속 발전했습니다. 13세기는 몇 가지 중요한 문체 현상으로 특징지어집니다.

그의 인생에서 성 판텔레이몬. 상. XIII 세기. 시나이의 성 캐서린 수도원.

크라이스트 판토크레이터. Hilandar 수도원의 아이콘입니다. 1260년대

XII-XIII 세기의 전환기에 비잔틴 세계 전체의 예술에서 스타일의 중요한 변화가 발생했습니다. 일반적으로 이러한 현상을 "1200년경의 예술"이라고 합니다. 아이콘 페인팅에서 선형 양식과 표현은 평온함과 기념비적 인 것으로 대체됩니다. 이미지는 명확한 실루엣과 조형적 조형적 형태로 크고 정적인 이미지가 됩니다. 이 스타일의 매우 특징적인 예는 성 베드로 수도원의 프레스코화입니다. 밧모섬의 요한 복음사역자. 13세기 초에 성 베드로 수도원의 여러 아이콘이 등장했습니다. 시나이의 카타리나: "Christ Pantocrator", 모자이크 "Our Lady Hodegetria", deesis의 "Archangel Michael", "St. Theodore Stratelates와 Thessalonica의 Demetrius. 모두 콤네노스 스타일의 이미지와는 다른 새로운 방향성의 특징이 등장한다.

동시에 새로운 유형의 아이콘 인 hagiographic 아이콘이 나타났습니다. 특정 성인의 삶의 초기 장면이 삽화가 있는 Minologies, 에피스타일(제단 장벽을 위한 긴 수평 아이콘), 접는 삼부작의 날개에 묘사될 수 있다면 이제 삶의 장면("브랜드")이 주변에 배치되기 시작했습니다. 성자 자신을 묘사하는 아이콘 중앙의 둘레. 시나이의 컬렉션에는 성 캐서린(전장)과 성 니콜라스(절반)의 아이콘이 보존되어 있습니다.

13세기 후반에는 도상화에서 고전적 이상이 지배적이었습니다. 아토스의 힐란다르 수도원(1260년대)의 그리스도와 신의 어머니의 아이콘은 규칙적이고 고전적인 형태를 가지고 있으며 그림은 복잡하고 미묘하며 조화롭습니다. 이미지에 긴장감이 없습니다. 오히려 살아있고 구체적인 그리스도의 모습은 평온하고 환영합니다. 이 아이콘에서 비잔틴 예술은 신성과 인간의 가장 가까운 정도에 접근했습니다. 1280-90년. 예술은 계속해서 고전적인 방향을 따랐지만 동시에 특별한 기념비, 힘 및 기술의 강조가 등장했습니다. 영웅적인 파토스가 이미지에 나타났습니다. 그러나 과도한 강도로 인해 하모니가 다소 감소했습니다. 13세기 후반 도상학의 눈에 띄는 예는 Ohrid에 있는 아이콘 갤러리의 The Evangelist Matthew입니다.

• 십자군의 워크샵

아이콘 페인팅의 특별한 현상은 십자군이 동쪽에서 만든 작업장입니다. 그들은 유럽(로마네스크)과 비잔틴 예술의 특징을 결합했습니다. 여기에서 서양 예술가들은 비잔틴 문자 기술을 채택했고 비잔틴 사람들은 십자군-고객의 취향에 가까운 아이콘을 만들었습니다. 그 결과 각각의 개별 작업에서 다양한 방식으로 얽힌 두 개의 서로 다른 전통이 흥미롭게 융합되었습니다. 십자군 작업장은 예루살렘, 아크레, 키프로스 및 시나이에 존재했습니다.

팔라이올로간 시대

1261년 비잔틴 제국의 마지막 왕조인 미카엘 8세 팔라이올로고스(Michael VIII Palaiologos)는 콘스탄티노플을 그리스인의 손에 반환했습니다. 그의 후계자는 안드로니쿠스 2세(r. 1282-1328)였습니다. 안드로니쿠스 2세의 궁정에서는 우수한 교육, 고대 문학과 예술에 대한 관심 증가를 특징으로 하는 실내 궁정 문화에 따라 세련된 예술이 번성했습니다.

• 팔라이올로간 르네상스- 이것이 14세기 1/4분기에 비잔티움 예술에서 현상을 부르는 것이 관례입니다.

오흐리드에 있는 성 클레멘트 교회의 성모 영보 대축일 아이콘. 14세기.

성화 그림은 교회의 내용을 유지하면서 고대 과거의 가장 강력한 영향을 경험하면서 극도로 미학적인 형태를 얻습니다. 그런 다음 작은 실내 예배당이나 고귀한 고객을 위한 미니어처 모자이크 아이콘이 만들어졌습니다. 예를 들어, GE 컬렉션의 " St. Theodore Stratilat" 아이콘. 이러한 아이콘의 이미지는 비정상적으로 아름답고 미니어처 작업으로 놀랍습니다. 이미지는 심리적 또는 영적 깊이가없는 차분하거나 반대로 초상화처럼 날카롭게 특징적입니다. 에르미타주에 위치한 네 명의 성인이 있는 아이콘의 이미지도 마찬가지입니다.

일반적인 템페라 기법으로 그려진 아이콘도 많이 있습니다. 그것들은 모두 다르고 이미지는 결코 반복되지 않으며 다른 품질과 상태를 반영합니다. 따라서 Ohrid의 "Our Lady Psychosostriya (Savior)"라는 아이콘에는 견고함과 강인함이 표현되고 테살로니키의 비잔틴 박물관에 있는 "Our Lady Hodegetria" 아이콘에는 반대로 서정성과 부드러움이 전달됩니다. "수태고지"는 "Psychosostriya의 성모님"의 뒷면에 그려져 있고, 그와 짝을 이루는 구세주의 이콘에는 "Crucifixion of Christ"가 뒷면에 기록되어 있습니다. 영혼의 힘이 날카롭게 전해진다. 이 시대의 또 다른 걸작은 미술관 소장품인 "The Twelve Apostles" 아이콘입니다. 푸쉬킨. 그것에서 사도의 이미지에는 그러한 밝은 개성이 부여되어 제국 법원에서 그 시대에 살았던 과학자, 철학자, 역사가, 시인, 문헌 학자, 인도주의자의 초상화가있는 것 같습니다.

이 모든 아이콘은 흠잡을 데 없는 비율, 유연한 움직임, 인상적인 인물 배치, 안정적인 포즈, 읽기 쉽고 잘 고려된 구성이 특징입니다. 스펙타클의 순간, 상황의 구체성, 공간에서의 등장인물들의 체류, 그들의 소통이 있다.

• 14세기 후반

신의 어머니 Peribleptos. 14세기 후반의 아이콘. Sergiev Posad 박물관 보호 구역.

하나님의 어머니의 돈 아이콘입니다. 그리스인(?) XIV 세기 말. GTG.

akathist와 함께 하나님의 어머니의 찬양. 14세기 후반의 아이콘. 모스크바 크렘린의 가정 대성당입니다.

Vysotsky 계급의 "Archangel Gabriel".

세례 요한. 14세기 후반 디시스 티어의 아이콘. 모스크바 크렘린의 성모 영보 대성당입니다.

50년대. 14세기에 비잔틴 도상학은 "고생물학 르네상스"의 수십 년과 같이 고전적 유산뿐만 아니라 특히 승리한 헤시카즘의 영적 가치를 기반으로 한 새로운 급증을 경험하고 있습니다. 30~40년 작품에 나타난 긴장감과 우울함이 아이콘을 떠나고 있다. 그러나 이제 형태의 아름다움과 완벽함은 신성한 빛으로 세상을 변형시킨다는 아이디어와 결합됩니다. 비잔티움 그림에서 빛의 주제는 항상 어떤 식으로든 발생했습니다. 빛은 상징적으로 세상을 관통하는 신성한 힘의 표현으로 이해되었습니다. 그리고 XIV 세기 후반에는 헤시카즘의 가르침과 관련하여 아이콘의 빛에 대한 그러한 이해가 더욱 중요해졌습니다.

Hermitage 컬렉션의 "Christ Pantokrator"아이콘은 시대의 훌륭한 작품입니다. 이미지는 아토스 산의 판토크라토르 수도원을 위해 콘스탄티노플에서 만들어졌으며 정확한 집행 연도는 1363년으로 알려져 있습니다. 그리고 인간에게 가깝고 개방된 그리스도의 매우 개인적인 이미지입니다. 아이콘의 색상은 내면의 광채가 스며든 것처럼 보입니다. 또한 빛은 얼굴과 손에 떨어지는 밝은 흰색 획의 형태로 묘사됩니다. 이것이 시각적 기법이 온 세상에 스며드는 창조되지 않은 신성한 에너지의 교리를 전달하는 방법입니다. 이 접근 방식은 점점 더 널리 보급되고 있습니다.

1368년 이후, 성 그레고리 팔라마스 자신의 성화(푸쉬킨 주립 미술관)가 성자로 칭송받았습니다. 그의 이미지는 또한 계몽, 개성(문자 그대로 초상화)으로 구별되며 "엔진" 또는 "조명"을 희게하는 유사한 기술을 포함합니다.

GE의 그리스도의 이미지와 가까운 것은 아테네의 비잔틴 박물관에 있는 대천사 미카엘의 아이콘, Sergiev Posad에 보관되어 있는 Our Lady Peribleptos의 아이콘입니다. 어떤 그림은 즙이 많은 꽃의 색조가 풍부하고 다른 그림은 다소 엄격합니다.

15세기 초 비잔틴 예술의 가장 뛰어난 특성은 위대한 러시아 아이콘 화가인 안드레이 루블레프 수도사의 작품에서 구현되었습니다.

고대 러시아

러시아 성화 그림의 시작은 러시아 세례 이후에 이루어졌습니다. 처음에는 키예프와 다른 도시에서 가장 오래된 러시아 석조 교회와 그림과 아이콘이 비잔틴 대가들에 의해 만들어졌습니다. 그러나 이미 11세기에 Kiev-Pechersk Monastery에 자체 아이콘 페인팅 학교가 있어 최초의 유명한 아이콘 화가인 St. Alypy와 Gregory를 배출했습니다.

XIII 세기의 역사적 상황이 러시아 문화의 발전에 큰 영향을 미쳤기 때문에 고대 러시아 예술의 역사는 일반적으로 "몽골 이전"과 그 이후로 나뉩니다.

14세기에 비잔티움과 다른 정교회 국가들이 러시아 도상화에 미친 영향은 컸지만 러시아 도상들은 훨씬 더 일찍 고유한 특징을 보여주었습니다. 많은 러시아 아이콘이 비잔틴 예술의 가장 좋은 예입니다. Novgorod, Pskov, Rostov 및 기타 도시에서 만든 기타는 매우 독창적이고 독창적입니다. Andrei Rublev의 작품은 동시에 비잔티움 전통의 훌륭한 유산이며 가장 중요한 러시아 특징을 포용합니다.

세르비아, 불가리아, 마케도니아

중세 불가리아 미술에서 아이콘 페인팅은 864년 기독교의 채택과 동시에 나타났습니다. 비잔틴 도상학은 원형이었지만 곧 기존의 지역 전통과 혼합되었습니다. 세라믹 아이콘은 매우 독특합니다. 베이스(세라믹 타일)에는 밝은 색상으로 패턴을 적용했습니다. 이 아이콘은 얼굴의 더 큰 원형과 생동감으로 인해 비잔틴 양식의 아이콘 페인팅과 다릅니다. 재료의 취약성으로 인해 이 스타일의 작품은 거의 남아 있지 않으며 대부분의 작품에서 단편만 남아 있습니다. 두 번째 불가리아 제국 시대에 아이콘 그림에는 민속과 궁전의 두 가지 주요 경향이있었습니다. 첫 번째는 민속 전통과 연결되어 있고 두 번째는 르네상스 미술의 영향을 크게 받은 Tarnovo 미술 학교에서 유래했습니다. 불가리아 성화 그림에서 가장 흔한 인물은 Rylsky의 성 요한입니다. 불가리아가 오스만 제국의 일부였을 때, 도상학, 슬라브 문자 및 기독교는 불가리아인의 국가적 자의식을 보존하는 데 도움이 되었습니다. 불가리아의 국가 부흥은 도상학에 약간의 갱신을 가져왔습니다. 민속 전통에 가까운 새로운 스타일은 장르의 주요 규범과 모순되지 않았습니다. 밝고 쾌활한 색상, 현대 의상의 캐릭터, 불가리아 왕과 성인의 빈번한 이미지(오스만 멍에 동안 잊혀짐)는 불가리아 르네상스 도상학의 특징입니다.

고대 초상화의 뒤를 이은 아이콘은 거의 2천년 동안 존재해 왔습니다. 아이콘의 수명은 회화 기법의 보수주의 덕분입니다. 도상화의 전성기는 전통을 중시한 중세 시대, 고대로부터 계승되어 오늘날까지 그 매력을 잃지 않고 있는 공예의 많은 비밀을 인류에게 보존한 시대였다.

6~20세기 도상화의 역사 - 기원 - 전통 - 근대성

릴리 에브세바

나탈리아 코마시코

마이클 크라실린

이구멘 루카(GOLOVKOV)

엘레나 오스타셴코

올가 포포바

엔젤리나 스미르노바

이리나 야지코바

안나 야코블레바

IP Verkhov S.I., 2014

ISBN 978-5-905904-27-1

Yazykova - 6~20세기 아이콘 그림의 역사 - 기원 - 전통 - 현대성 - 목차

• Irina Yazykova, Abbot Luka(Golovkov) 아이콘과 도상학의 신학적 기초
• Anna Yakovleva 테크닉 아이콘
• 올가 포포바 비잔틴 아이콘 VI-XV CENTURIES
• Lilia Evseeva 비잔트 몰락 이후의 그리스 아이콘
• Engelina Smirnova는 고대 러시아의 아이콘입니다. XI-XVII 세기
• Lilia Evseeva GEORGIAN ICON X-XV CENTURIES
• Elena Ostashenko 세르비아, 불가리아 및 마케도니아의 아이콘 XV - XVII CENTURIES
• Natalia Komashko 우크라이나 아이콘 그림 루마니아의 벨로루시 아이콘 아이콘 그림(몰도바 및 왈라키아)
• Mikhail Krasilin 러시아 아이콘 XVIII - 20세기 초
• Irina Yazykova, Hegumen Luka(Golovkov) XX 세기의 아이콘

연표

서지

일러스트 일람

용어집

Yazykova - 6-20세기 아이콘 그림의 역사 - 기원 - 전통 - 현대성 - 책에서 발췌

가장 간단한 방법으로 아이콘 페인팅 기술은 여러 색상의 페인트 층을 서로 겹쳐서 표현할 수 있으며, 그 기초는 분필이나 석고로 덮인 화이트 보드의 평면입니다(그림 1). . 레이어링이 주요 속성입니다. 중세 회화 기법의 독창성을 전달하고 르네상스와 비교하기 위해 Talbot Rice와 Richard Byron은 다음과 같이 썼습니다. 이 때문에 중세 회화의 기법은 레이어를 줄임으로써 쉽게 '접혀서' 초서체 시스템(필체)으로 바뀌거나 '펼쳐지고' 레이어를 추가하여 디테일해질 수 있습니다.

전통은 첫 번째 아이콘의 모습을 에데사 왕 아브가르에게 천 조각에 자신의 얼굴 이미지를 보낸 예수 그리스도 자신과 연결합니다. 하나님의 어머니의 성상을 창조한 복음사 루가의 생애는 성상화의 초기 경험을 증언한다. Alcuin의 펜에 속하는 것으로 보이는 "Libri Carolini"에서 교황 실베스터가 콘스탄틴 대왕에게 기증한 Peter와 Paul의 아이콘에 대해 알려졌습니다.

예술의 역사는 고대 아이콘의 초기 예를 알지 못하지만, Dura Europos 회당에서 구약 시대의 그림에서 헬레니즘 시대에 살았던 유대인의 그림 경험에 대한 아이디어를 얻을 수 있습니다. 기원전 3세기 중엽보다 조금 앞선다. 또한 기독교가 국교로 채택되기 전의 초기 기독교 시대의 벽화, 책 미니어처 및 응용 예술 작품에서 구약과 신약의 거룩한 역사 사건의 이미지가 잘 알려져 있습니다.

성 캐서린 수도원의 피나코테카에 있는 로마 교회와 시나이 교회에 보관되어 있는 가장 오래된 이콘은 성화파괴범 황제의 통치 기간 동안 행복하게 파괴를 피한 곳으로 기원전 6세기로 거슬러 올라갑니다. 일반적으로 헬레니즘 세계 전체에 공통적인 기술로 왁스 페인트로 칠판에 작성됩니다. Encaustic과 그 다양한 "왁스 템페라"는 고대의 가장 완벽한 그림 기법이지만 유일한 것은 아닙니다. 고대 미술가들은 모자이크, 프레스코, 템페라 등의 기법을 알고 있었는데, 이러한 기법은 초기 기독교 시대에 계승되었지만 모두 중세까지 살아남은 것은 아닙니다. 성상파괴의 시대가 성상에게 어떤 피해를 입혔는지는 잘 알려져 있다. 2세기 동안의 박해 동안 가장 오래된 아이콘뿐만 아니라 여러 세대의 아이콘 화가도 죽었습니다.

제7차 에큐메니칼 공의회는 성상파괴범의 명령에 따라 판자에서 밀랍과 모자이크를 긁어내고 성상을 불 속에 던지거나 성상 숭배자들의 머리를 박살냈다고 증언합니다. 문서는 끔찍한 기물 파손의 그림을 그립니다. 아이콘과 함께 아이콘을 숭배하는 사람과 아이콘 화가 모두 끔찍한 고문과 학대로 사망했습니다. 우상파괴 이후 밀랍화 기법은 부활하지 않았다. IX 세기부터 시작합니다. 붓과 물감으로 만드는 회화적 아이콘의 기법은 전적으로 템페라이다.

템페라는 단어의 엄밀한 의미에서 페인트와 바인더를 혼합하는 방법입니다. 페인트는 건조 분말 - 안료입니다. 돌(광물과 흙), 금속(금, 은, 산화납), 유기 잔류물(식물의 뿌리와 잔가지, 곤충), 건조 및 부수거나 염색한 직물(자반병, 남색)을 갈아서 얻을 수 있습니다. 결합제는 대부분 노른자 에멀젼입니다. 그러나 중세 장인들은 베르네의 익명의 작가가 쓴 것처럼 달걀 흰자 유제를 바인더로 사용하고 고무, 즉 나무 수지, 동식물 접착제를 사용할 수도 있습니다. 그들은 또한 기름에 대해 알고 있었지만 속건성 기름의 조리법이 없었기 때문에 그것을 사용하지 않으려 고했습니다.